Crítica: Market Square Heroes y Script for a Jester's Tear de Marillion (1982-1983)

Arte de Script for a Jester's Tear creado por Mark Wilkinson.

Entre las bandas mas populares del rock progresivo clásico siempre resuenan los nombres de Pink Floyd, Genesis, Yes, King Crimson, Supertramp o Rush como modelo de este estilo de música. Nombres muy representativos de la década de los años 70, pero que son al final una reducción de una música que ni ya se limita sólo al rock y que por fortuna ya tiene una historia de mas de 50 años y en expansión.

Si por ejemplo ponemos la mirilla en la década de los 80, podríamos seguir viendo las bandas antes nombradas haciendo una metamorfosis a otros estilos dentro lo que ya podríamos llamar música progresiva o incluso marchando del género buscando una nueva fortuna y público. ¿Pero quedaron herederos de esa música en los 80? La respuesta es un claro SI, pero adaptándose al sonido de la nueva década. 

Ejemplos muy honorables como Marillion, Saga o Pendragon demostraban que continuaban habiendo músicos con suficiente ambición y técnica para tomar el testigo, aunque seamos sinceros, para un público más reducido. De todas ellas, quedémonos con Marillion, banda británica formada a finales de los años 70 por Mick Pointer (batería) y Doug Irvine (bajista), pero que iría encontrando su sonido a medida que unía a la banda a Steve Rothery en la guitarra, Fish como cantante, Mark Kelly en los teclados y Pete Trewavas como bajista definitivo.

En orden: Mark Kelly, Mick Pointer, Fish, Steve Rothery, Pete Trewavas

En esta entrega analizaremos los dos primeros trabajos discográficos oficiales de esta banda, para redescubrir su valor musical a casi cuatro décadas de su lanzamiento y su papel en fomentar la continuidad de la música progresiva junto a otros discos del mismo género. Hoy vemos el EP Market Square Heroes y Script for a Jester’s Tear.

Crítica: Fuck Everyone and Run (F E A R) de Marillion (2016)

Hay discos que necesitan una profunda digestión en mi mente y corazón para que pueda decir algo suficientemente coherente sobre ellos. Sobre todo aquellos que contienen una gran complejidad en sus formas y su mensaje, como es el caso del nuevo disco de Marillion. Esta banda en sus mejores épocas ha tenido unas composiciones que aún complejas, estaban dotadas de una magia que las hacía bastante más accesibles o de fácil asimilación que algunas de sus obras más tardías. En este blog, ya hemos visto algunos de sus frutos de talentosa juventud como Misplaced Childhood (1985), Clutching at Straws (1987) o Seasons End (1989); obras de aspecto colorista y muy atadas a su década que luego evolucionarían a una aparente sobriedad que en realidad nos guardaría tres grandes obras más: Holidays in Eden (1991), Brave (1994) y Afraid of Sunlight (1995). El disco que tenemos hoy bajo la lupa, en realidad guarda una relación bastante grande con estas grandes obras de los 90, tanto a nivel sonoro, como en la riqueza de su reflexión/mensaje.

Y es que antes o después, un buen artista tiene que bajar del barco de los sueños para toparse con el sendero de la realidad. En ese acto Steve Hogarth, cantante y tecladista de la banda se ha encarado con una realidad muy distinta a lo que es él: un hombre jovial, creativo y de incansable búsqueda de la felicidad ante un mundo en profunda crisis. Por eso, de un disco doble como Happiness is the Road (2008), lleno de pasajes ambientales y con un resultado a ratos insípido o desigual, se pasó a un disco como Sounds That Can't Be Made (2012), algo más gris en su ánimo pero lleno de momentos de muy alto valor como Gaza (esa conexión con la realidad y sus guerras), Sounds That Can't Be Made, Montreal o The Sky Above the Rain. Pero esta vez las ambiciones han subido para confeccionar un disco muy enfocado, sincero y por ende, pesimista...